Cuadros y Lienzos

Exposición sobre Juan de Roelas, el precursor de la pintura barroca sevillana

2008-12-02T18:08:00.006+01:00

El Museo de Bellas Artes de Sevilla acoge una magnífica exposición monográfica sobre el pintor Juan de Roelas (1570-1625), de la que los sevillanos podrán disfrutar hasta el 15 de febrero de 2009. La muestra consta de treinta pinturas procedentes de los fondos de la propia pinacoteca, de otros museos como el Museo Nacional de Escultura de Valladolid, y de iglesias como la Catedral de Las Palmas de Gran Canaria y el Colegio de San Miguel de Valladolid.

La exposición tiene su núcleo central en el Museo de Bellas Artes de Sevilla, pero el recorrido expositivo no acaba ahí, ya que algunas de las obras pictóricas del artista sevillano, debido a la imposibilidad para trasladarlas por sus dimensiones y por formar parte de retablos, estarán localizadas en sus ubicaciones originales, es decir, en la Catedral de Sevilla, en la Iglesia de la Anunciación y en la Parroquia de San Isidoro.

Alguna de las obras expuestas vienen acompañadas de una importante labor de restauración. Gracias a esta labor se puede disfrutar en su plenitud de obras como "La resurrección de Santa Leocadia" (pintada en 1620 y procedente del Hospital del Niño Jesús de Madrid), "Alegoría de la Inmaculada Concepción" (procedente del Museo Nacional de Escultura de Valladolid) o "La venida del Espíritu Santo" (del propio Museo de Bellas Artes de Sevilla). En este aspecto cabe señalar que es una pena que el Palacio de Medina Sidonia se haya negado a ceder para la exposición las obras pictóricas que posee de Roelas, alrededor de veinte, ya que se podía haber aprovechado la ocasión para restaurarlas.

Juan de Roelas, sevillano de pro, no era natural de Sevilla, sino de origen flamenco. Si se le otorga el origen sevillano es porque en 1604 obtuvo una prebenda del Conde Duque de Olivares y allí, en Olivares, cerca de Sevilla, realizó y pintó varios cuadros de grandes dimensiones para diversas iglesias: en 1606 pintó la "Circuncisión" y el "Martirio de San Andrés", y en 1613 el "Tránsito de San Isidoro". Su figura como pintor no es muy conocida, ya que fue eclipsado por la notoriedad de pintores de la época como Velázquez, Murillo, Zurbarán o Valdés Leal. No obstante, y a pesar de que tras su traslado a Madrid no consiguió llegar a pintor del Rey y tuvo que regresar a Olivares, se trata de un pintor claramente representativo de la pintura barroca sevillana y uno de la predecesores de la escuela hispalense.

La obra de Roelas, por su colorido cálido y su sentido equilibrado, muestra claras influencias de la Escuela veneciana (Veronés y Tintoretto). Sus cuadros y obras incorporan efectos de luz de influencia Bassanista (Manierismo) que hacen que sus pinturas sean fácilmente reconocibles. También fue un fantástico retratista de la vida cotidiana, llegando a incorporar en sus composiciones sobre temas sagrados elementos de la vida diaria, aspecto por el que recibió duras críticas del pintor sevillano de la época Francisco Pacheco. A Roelas se le debe el empleo generalizado del formato manierista de cuadro de altar dividido en dos mitades yuxtapuestas, donde la mitad superior refleja el mundo divino, y la mitad inferior representa el mundo terrenal. Juan de Roelas es, sin duda, un pintor muy importante en el tránsito del Manierismo romanista al Naturalismo tenebrista que anuncia el Barroco a principios del siglo XVII.

XXXI edicion de Artemania, feria de arte y antigüedades

2008-11-06T19:12:00.005+01:00

Ayer me pasé por la 31 edición de Artemanía, la feria de arte y antigüedades que se celebra en Madrid un par de veces al año. Se notaba la crisis en el sentido de que los precios eran más bajos de lo previsible, y todo pese a que el arte y las antigüedades son valores de inversión, en teoría, seguros, y siempre hay coleccionistas e inversores dispuestos a comprar en este mercado. Es una pena que algunos, como yo, que amamos el arte por lo que es, no dispongamos del dinero suficiente para poder disfrutar del mismo en nuestra casa, y que otros lo compren para guardarlo en la caja fuerte.

En mi recorrido por los cincuenta y un expositores de la feria pude ver piezas de arqueología, pinturas clásicas y contemporáneas, y joyas antiguas, así como muebles, vestidos, objetos de decoración y libros antiguos. Las piezas más baratas se podían comprar por tan sólo 50 euros. También había obras de arte y antigüedades de gran valor, como una pintura del pintor mallorquín Miquel Barceló de la década de los ochenta, un lienzo del pintor catalán Antoni Tapies de los años cincuenta, y una pulsera con diamantes de estilo Art Decó valorada en unos cien mil euros.

También pude disfrutar de algunos objetos realmente curiosos como el morro de un tiburón tigre transformado en obra de arte, una caja de caudales del siglo XVI, una mandolina labrada del siglo XVII, un par de conjuntos de muebles franceses y suecos de los siglos XVIII y XIX, un camisón del siglo XIX, una muñeca alemana de principios del siglo XX, un hipopótamo Art Decó de lo más original, y una escultura china del siglo XIX que representaba a un dragón. Por cierto, no todo era antiguo en la feria, algunos expositores exhibían piezas bastante modernas y vanguardistas.

Desde luego, si os gusta el arte y las antigüedades, y queréis pasar un rato entretenido, os aconsejo que os acerquéis por el Palacio de Congresos de Madrid, lugar donde está teniendo lugar la feria. Todavía estáis a tiempo ya que el evento termina este domingo 9 de noviembre.

El Guernica de Picasso en tres dimensiones

2008-10-09T19:59:00.006+01:00

Si queréis disfrutar del famoso cuadro que Picasso dedicó a la ciudad de Guernica en reacción al bombardeo aéreo de la Lufwaffe Nazi que durante la guerra civil española devastó dicha ciudad (año 1937), sólo tenéis que pulsar sobre este enlace: Exploración en 3D del Guernica de Picasso. Está magnífica animación 3D de la pintura de Picasso Guernica ha sido creada por Lena Gieseke como parte de su tesis.

El Guernica se trata de un cuadro cubista que el genial pintor malagueño empezó a pintar el 1 de mayo de 1937, nada más enterarse del bombardeo. El lienzo quedó terminado el 4 de junio de 1937 bajo el encargo del Gobierno de la República Española para que decorara el Pabellón Español durante la Exposición Internacional de 1937 en París. La austeridad cromática del cuadro es absoluta ya que está pintado en tonos negros y blancos. Esta fantástica obra de arte se encuentra actualmente en la exposición permanente del Museo Reina Sofía en Madrid, España.

Como anécdota curiosa señalaré que se dice que en 1940, estando París ocupada por los alemanes, un oficial nazi se encontraba viendo una foto con una reproducción del Guernica y le realizó la siguiente pregunta a Picasso: "¿Esto es obra suya?". A lo cual el genial pintor respondió: "No, ha sido obra de ustedes".

Artículos relacionados: 400 obras de Picasso en el Museo Reina Sofía.

Exposicion en el Prado: El retrato del Renacimiento

2008-09-04T17:11:00.005+01:00

El pasado lunes estuve visitando la exposición "El retrato del Renacimiento" que se podrá ver en el Museo del Prado hasta este domingo 7 de septiembre. La muestra abarca doscientos años, de 1400 a 1600, de la historia del retrato en la pintura, se trata de la primera exposición que ofrece una aproximación global al retrato del Renacimiento. Aunque en el paso por las salas de la exposición se pueden ver también esculturas, dibujos, grabados y medallas que sirven para explicar la evolución del retrato durante el Renacimiento, la muestra trata al retrato como género pictórico autónomo.

La exposición reune 127 obras, procedentes de museos de medio mundo, pintadas por 70 artistas diferentes. En la muestra quedan claras dos características de la evolución del retrato del Renacimiento; por un lado, se deja notar que el retrato deja de ser privativo de la clase alta y se hace accesible a clases sociales más bajas; por otro, se observa un aumento del tamaño de los cuadros, debido a su incorporación al mobiliario doméstico, ya que, en un principio, los retratos en lugar de formar parte de la decoración, estaban concebidos para verlos de vez en cuando y tenerlos guardados en cajas.

La muestra se divide en nueve secciones:

Entre Flandes e Italia, donde destaca el óleo sobre tabla titulado Sigismondo Pandolfo Malatesta del pintor Piero della Francesca (ver foto).

Amor, familia, memoria, con el óleo sobre lienzo titulado Retrato femenino (Anna Fürleger) de Alberto Durero.

Amistad, donde se puede ver otro óleo sobre lienzo titulado Retrato de Andrea Navagero y Agostino Beazzano de Rafael.

Aficiones, ocupaciones, devociones y status, con el óleo sobre lienzo titulado El sastre de Giovanni Battista Moroni.

Autorretrato, donde se puede disfrutar de algunos conocidos autorretratos de Alberto Durero, Rafael y Tiziano.

La realización del retrato, con el retrato de Isabel de Valois del pintor Antonio Moro.

Las fronteras del retrato, sección en la que nos podemos maravillar con el famosísimo oleo sobre lienzo de El Greco titulado El caballero de la mano en el pecho.

La difusión del retrato, donde se encuentra una témpera sobre lienzo pasada a tabla titulada Retrato de Michelle Marullo Tarcaniota y pintada por Sandro Botticelli.

El retrato de Corte, con una amplia selección de conocidos cuadros de Tiziano y uno no tan conocido de Pedro Pablo Rubens titulado Brigida Spinola Doria.

Quedan pocos días, así que si leéis este artículo antes del domingo, no lo dudéis más y acudid al Museo del Prado para poder disfrutar de esta magnífica exposición del arte del Renacimiento.

Tres exposiciones en Zaragoza reúnen cientos de obras maestras

2008-08-14T09:26:00.005+01:00

Ibercaja dispone en Zaragoza de una de las mejores exposiciones sobre Francisco de Goya. Partiendo de los fondos propios que la entidad bancaria posee del genial pintor aragonés, se inauguró hace tiempo una fantástica exposición en el Museo Camón Aznar situado en el antiguo Palacio renacentista de los Pardo. En dicho museo se expone la colección completa de los grabados de Goya, incluyendo sus conocidas series: los Caprichos, los desastres de la guerra, la tauromaquia y los disparates. En total el museo ofrece más de trescientas obras de arte de pintores del siglo XV al XX que se exponen a lo largo de las tres plantas del palacio. Aunque Goya es el principal protagonista, también se puede disfrutar de obras de genios de la pintura como Bayeu, Berruguete, Maella o Mengs.

Por otro lado, la sala de exposiciones temporales del Museo Ibercaja acoge la exposición Del Ebro a Iberia, muestra que forma parte de la programación de la Fundación Ibercaja para la Expo. La exposición reúne obras de arte de pintores de gran renombre como El Greco, El Bosco, Velázquez, Ribera, Salcillo, Picasso, Chillida, Dalí o Barceló. Entre dichas obras encontraremos un retrato de Velázquez que nunca se había expuesto en España con anterioridad, el cuadro San Antonio de Padua con el Niño Jesús de Goya, expuesto también por primera vez en España, La Sagrada Familia del El Greco, el Tríptico de la Pasión de El Bosco, el cuadro de Ribera titulado Don Cristóbal Suárez, o la obra Toros de Miguel Barceló.

La Fundación Ibercaja también patrocina otras dos exposiciones. La primera, denominada Encrucijada de Culturas, se encuentra ubicada en el edificio de la Lonja de Zaragoza. Esta exposición de arte nos permite hacer un recorrido cronológico por la historia de Aragón mediante la observación de las obras de arte cedidas por diversos museos del mundo, sin duda, auténticas joyas de la pintura.

En cuanto a la exposición titulada Del futuro al pasado, se ha instalado en el Patio de la Infanta, donde se muestran sesenta y cinco obras maestras de artistas contemporáneos, desde Picasso a Chagall, pasando por Cartier-Bresson, Braque o Giacometti.

En total tres exposiciones de arte que no se deberían perder todos aquellos que se planteen viajar a la Expo de Zaragoza. Las tres son gratuitas y es posible disfrutar de las mismas en una sola mañana. Muchas de las obras que reúnen estas exposiciones nunca habían estado anteriormente en España y será bastante complicado poder disfrutar de ellas.

Exposición "Arte en la calle: Manolo Valdés en Zaragoza"

2008-07-22T17:07:00.006+01:00

No todas las noticias culturales en la capital maña iban a tener como escenario la muestra internacional Expo Zaragoza 2008. Es por ello que, el Paseo de la Independencia de Zaragoza, entre las calles Zurita y Bruil, acogerá, hasta el 28 de agosto, una muestra de la obra escultórica del artista Manolo Valdés. La exposición al aire libre del autor valenciano incluye diecisiete esculturas monumentales de hierro y bronce que los viandantes pueden ver y tocar. Entre las esculturas encontraremos obras como la reina Mariana, la infanta Margarita, cabezas con tocado, la gran odalisca de Ingres y las famosas Meninas (ver foto). Otras esculturas destacadas de la muestra son la gran Dama de Elche, donde un dinámico y bello tocado choca contra un rostro tosco y casi sin rasgos y los colosos, cada uno con un sombrero diferente y que hacen pensar en las esculturas que antiguamente se erigían en la entrada de las ciudades como un elemento de protección e identidad. Sin duda, esta exposición se trata una propuesta artística de primer nivel y gran interés cultural.

La exposición ha sido promovida por la Fundación La Caixa, organizada dentro de su programa "Arte en la Calle", programa que tiene el claro objetivo de hacer accesible el arte a todos los ciudadanos españoles. En la muestra abundan las referencias a la cultura y la historia del arte, desde obras asociadas con la mitología griega hasta esculturas dedicadas al genial pintor sevillano Velázquez, pasando por otros pintores y artistas como Matisse, Ingres y Brancusi. Esta claro que Valdés no quiere ocultar sus fuentes de inspiración, obras de museos famosos como el Metropolitan y el Prado, así como pinturas y esculturas del arte contemporáneo.

Manolo Valdés es uno de los principales artistas españoles de la actualidad, afincado en Nueva York desde hace más de diez años, es quizá el artista español vivo más internacional. Este artista valenciano fue uno de los fundadores, junto a Juan Antonio Toledo y Rafael Solbes, del Equipo Crónica o Crónicas de la realidad, un grupo de creadores representativo del Pop Art español y que ilustró, en tintas planas y serigrafías y de forma muy personal, la realidad política y social de la España de los sesenta y los setenta.

Tras la muerte de Solbes, Valdés continuó su trayectoria artística en solitario como pintor, escultor, grabador y cartelista, alternando la pintura con la escultura. Una de sus exposiciones itinerantes más famosa fue la de las "21 Meninas", que se inauguró en los jardines del Palais Royal de París, terminando en la plaza de la Escandalera y el paseo de los Álamos de Oviedo, no sin antes haber pasado por la Pelikan Platz de Zúrich. En los últimos años Valdés ha realizado esculturas de gran formato para diferentes ciudades, como Madrid, Valencia y Biarritz.

Exposición de arte en el Thyssen-Bornemisza: Miró - Tierra

2008-06-17T16:52:00.004+01:00

El Museo de Arte Thyssen-Bornemisza presenta la exposición "Miró: Tierra", una retrospectiva inédita del genial pintor catalán. La muestra ofrece un amplio recorrido por toda la trayectoria creativa de Joan Miró, empezando desde la fecha en que realizó su primera exposición individual en 1918, hasta llegar a sus últimas obras pictóricas. Toda la exposición gira en torno al concepto de tierra, entendido en el sentido más amplio de la palabra, no sólo limitado a la tierra en donde nació Miró, Cataluña, sino también aplicado a las más variadas cualidades y valores de las culturas rurales, como la fábula, la leyenda, la desmesura, la fertilidad o la sexualidad. En el lenguaje del pincel, de la pintura, del arte, la tierra se manifiesta en la experimentación con la materia y en el juego con las formas, buscando lo tradicional, primitivo y de origen remoto.

Estos rasgos estilísticos, que la exposición intenta destacar, permiten ver a Joan Miró como el gran precursor del expresionismo abstracto y el informalismo, tendencias que prevalecieron durante las décadas de la mitad del siglo XX, y en las que destacarán pintores y artistas de la generación posterior a la de Miró, con los que éste compartió muchas cosas en común.

La exposición esta dividida en siete secciones:

Mont-roig: Con obras de su primer lenguaje pictórico personal como el Huerto con Asno (óleo sobre lienzo pintado en 1918).

Transparencias animadas: Donde empieza a verse la influencia de Paul Klee en cuadros como Hombre con pipa (óleo sobre lienzo pintado en 1925).

Paisajes del origen: Época de dibujos simples y esquemáticos como Paisaje con conejo y flor (óleo sobre lienzo pintado en otoño de 1927).

Polimorfismos: Fase en la que Miró prácticamente abandona la pintura empezando a investigar el mundo de las tres dimensiones y experimentando con otros medios artísticos como el collage.

Figuras plutónicas: Miró empieza a pintar de nuevo lo que el llamó sus pinturas salvajes, destacando obras como Dos mujeres (óleo y arena sobre cartón pintado en 1935).

El retorno: Tras la guerra civil el pintor catalán vuelve a España y empieza a adentrarse en disciplinas como la cerámica y la escultura con obras como Personaje doble (cerámica esmaltada creada en 1956).

Ciclos: Época en la que la producción de Miró se hace más abundante con cuadros como Lienzo quemado 3 (pintura acrílica sobre lienzo quemado pintada en 1973).

La exposición cuenta con cerca de setenta obras de Miró, incluyendo pinturas, dibujos, collages y cerámicas. Obras de arte procedentes de colecciones de todo el mundo que han sido seleccionadas para la ocasión por Tomás Llorens, comisario de una muestra de la que podremos disfrutar hasta el 14 de septiembre en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid.

Exposición de arte el "Seicento Napoletano: Del naturalismo al barroco"

2008-05-27T17:25:00.007+01:00

La Fundación Banco Santander y la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando han organizado la exposición de arte "Seicento Napoletano: Del naturalismo al barroco". La muestra incorpora una amplia selección de la pintura napolitana del XVII, un siglo en el que sobresalió el arte italiano procedente de Nápoles. Durante dicha época se fundieron la tradición grecolatina con nuevas corrientes del barroco impulsadas por pintores y artistas considerados de vital importancia en la actualidad. Los artistas napolitanos fueros los creadores de un barroco italiano único, de gran interés para todos aquellos que amamos el arte. Asimismo, entre Nápoles y España siempre hubo importantes intercambios culturales gracias a la influencia de diferentes figuras de nuestra monarquía, hecho claramente refrendado por la importante presencia de numerosas pinturas, lienzos y cuadros de artistas napolitanos que se conservan en España.

En la exposición "Seicento Napoletano: Del naturalismo al barroco" se dan cita los creadores napolitanos más importantes del siglo XVII, artistas que dieron a la pintura italiana una riqueza de luces y sombras, una calidad, y una variedad de temáticas inmejorable. La muestra se inicia con un inmejorable Ecce Homo de Giovanni Battista Caracciolo, continuando después con naturalezas muertas y paisajes de increíble belleza, pasando por escenas de interior y los más representativos pasajes de la historia sagrada típicos de la época, y terminando con escenas mitológicas y crónicas de la vida social del siglo XVII.

La exposición ha podido ser montada gracias a las obras, cuadros y liezos cedidos temporalmente por el Museo de Capodimonte, el Museo Correale di Terranova, el Museo y Cartuja de San Martino, el Museo Castel Sant’Elmo, el Museo Diego Aragona Pignatelli Cortes, el Museo Civico Filangieri y la Colección Intesa Sanpaolo, así como a distintos préstamos realizados por coleccionistas particulares.

Los madrileños podremos disfrutar gratis de esta muestra hasta el 13 de julio de 2008 en la sede de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. El horario es de martes a sábados de 10:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00 y lunes, domingos y festivos de 10:00 a 14:00 (cerrando el 15 y el 30 de mayo). Los lunes y martes a las 11:00 se dan visitas guiadas también gratuitas.

Artículos relacionados: Velázquez y las esculturas del Alcázar.

Exposición de pintura: Sorolla, visión de España

2008-05-14T19:35:00.004+01:00

Las exposición de arte Sorolla, visión de España ha sido organizada por la Obra Social Bancaja en conjunción con la Hispanic Society of America, sociedad fundada por el hispanista norteamericano Milton Huntington a principios del siglo XX con el objetivo de dar a conocer el arte y la cultura española en los Estados Unidos.

Después de tener un éxito espectacular en Valencia, la muestra Sorolla, visión de España se ha trasladado a Sevilla. Así pues, la exposición de arte, que abrió sus puertas el 24 de abril de 2008, podrá verse hasta el 29 de junio de 2008 en el Museo de Bellas Artes de Sevilla.

La muestra cuenta con catorce pinturas de gran tamaño (murales o paneles) del famoso pintor valenciano. Dicha obras fueron encargadas en 1911 a Joaquín Sorolla (1863-1923) por Milton Huntington para decorar una de las salas de la Hispanic Society, sala que en un principio iba a ser la biblioteca de la sociedad, pero que finalmente se convirtió en la Sala Sorolla.

Es la que es la primera vez que estas obras de arte salen de su emplazamiento original habiendo sido restauradas para la ocasión por un equipo de expertos bajo el patrocinio de la Obra Social Bancaja y la Hispanic Society. La exposición incluye una muestra de fotografías en la que se puede ver todo el proceso de restauración de las obras.

Los títulos de los catorce paneles y murales pintados directamente del natural por Sorolla y que podemos ver en esta exposición de arte son: La fiesta del pan (Castilla), Los nazarenos (Sevilla), La jota (Aragón), El concejo del Roncal (Navarra), Los bolos (Guipúzcoa), El encierro (Andalucía), El baile (Sevilla), Los toreros (Sevilla), La romería (Galicia), El pescado (Cataluña), Las grupas (Valencia), El mercado (Extremadura), El palmeral (Elche) y La pesca del atún (Ayamonte).

Sin duda estos murales constituyen una obra pictórica colosal que ocupó los últimos años de la vida activa de Joaquín Sorolla; el pintor empezó la tarea en 1912 terminando en 1919, año en que pintó el último de los murales. El propio pintor la identificó como la obra de su vida en distintos escritos y libros que todavía se conservan. En mi opinión se trata de la obra más importante de Sorolla y uno de los más importantes conjuntos pictóricos de la pintura del siglo XX.

Horario de la exposición: De martes a sábado de 9 a 21 horas (última entrada a las 20 horas); domingos y festivos de 9 a 15 horas (última entrada a las 14 horas). Lunes cerrado. El 17 de mayo, con motivo del Día Internacional de los Museos, la exposición se abrirá ininterrumpidamente de 9 a 23 horas (última entrada a las 22 horas).

Después de Valencia y Sevilla esta previsto que la exposición de pintura Sorolla, visión de España se traslade a las ciudades de Málaga, Barcelona, Bilbao, Madrid y, finalmente, nuevamente a Valencia.

Exposisión de escultura en la Sala Alcalá 31: Esculturismo e iconos ácidos

2008-04-30T06:53:00.004+01:00

La Sala Alcalá 31 acoge desde el día 17 de abril y hasta el 18 de mayo una exposición de arte inspirada en los iconos populares y símbolos cotidianos. La muestra, a la que se ha denominado Esculturismo, está compuesta por 14 instalaciones de 11 artistas de la baja cultura, del icono popular y el símbolo cotidiano, que hacen uso del humor para desacralizar lo trascendente y dignificar lo banal. Se trata de una exposición en la que se visualiza el arte de la ironía a base de la utilización de iconos ácidos representados por personajes populares y cotidianos, ídolos masivos e imágenes comerciales y televisivas.

Los artistas participantes son: Virginie Barrè, Eugenio Merino, Bene Bergado, Enrique Marty, Óscar Seco, Mateo Maté, Tony Matelli, Adrian Tranquilli, Chus García-Fraile, Bruno Peinado y Jorge Perianes. Las obras de estos artistas no han sido realizadas trabajando materiales nobles como el mármol o el bronce, sino otros más cotidianos como la fibra de vidrio, el látex, el plástico, las resinas, el poliéster y el poliuretano. Los participantes en esta exposición han querido concebir el arte como medio de comunicación y no como revelación de lo bello, expresando sus ideas en eslóganes, anuncios y titulares.

En la foto podéis ver una de las esculturas pertenecientes a la exposición, obra de Enrique Marty en la que aparecen Alberto Ruiz Gallardón y Esperanza Aguirre y a la que su autor ha dado el nombre de Abducción.

La muestra Esculturismo permanecerá abierta al público, con carácter gratuito y hasta el próximo 18 de mayo, con horario de 11:00 a 20:30 horas, de martes a sábados; y los domingos, así como los días 2 y 15 de mayo, de 11:00 a 14:00 horas. Los lunes y el día 1 de mayo, la sala permanecerá cerrada. Por otra parte, también con carácter gratuito, todos los sábados de 12:00 a 14:00 horas y de 18:00 a 20:00 horas y los domingos de 12:00 a 14:00 horas se realizarán visitas guiadas para ayudar al público asistente a acercarse a la realidad de esta exposición.

Exposición sobre Luca Giordano en el Casón del Buen Retiro

2008-04-24T20:50:00.003+01:00

El Museo de Prado está celebrando la reforma del Casón del Buen Retiro con jornadas de puertas abiertas desde el 21 de febrero al 4 de mayo. Durante este tiempo será posible disfrutar del magnífico fresco que el artista napolitano Luca Giordano (1634-1705) pintó en el techo de la bóveda del Casón, la Apoteosis de la Monarquía española, y cuya restauración, ya terminada, comenzó en 2001. La muestra incluye también una interesante selección de setenta y cinco piezas, entre dibujos, planos arquitectónicos, acuarelas, óleos y estampas.

La exposición en el Casón del Buen Retiro presenta cincuenta y seis obras, desde pinturas a lápiz hasta óleos sobre lienzo, del artista italiano. Entre los cuadros más conocidos se encuentran un retrato de Carlos II a caballo, un Autoretrato, la Batalla de Fernando el Católico, Rubens pintando la alegoría de la paz, Santa Rosalía, El beso de Judas, La prudente Abigail, Bethsabé en el baño, La diosa Flora, y un largo etcétera.

La entrada a esta exposición de arte es gratuita y el Casón del Buen Retiro permanece abierto todos los días de 12:00 a 20:00h excepto lunes y martes.

Arte del Renacimiento y el Barroco: La Galería de los Uffizi en Madrid

2008-03-31T19:43:00.003+01:00

Sin duda, la Galería de los Uffizi es una de las más importantes pinacotecas del mundo. Esta galería, situada en Florencia, estuvo vinculada originalmente a la familia Médicis, familia que fue incorporando obras a la colección procedentes de conventos, monasterios e iglesias de la Toscana. La Galería de los Uffizi es en la actualidad uno de los máximos referentes del arte pictórico italiano, incluyendo obras de arte que abarcan desde la época medieval hasta el siglo XVIII, siendo las obras de los periodos artísticos del Barroco y el Renacimiento las más valiosas de la colección, ya que incorpora cuadros y pinturas de todos los grandes maestros italianos de dichos periodos.

La obra social de la Fundación la Caixa, a partir de los fondos de la Galería de los Uffizi, ha montado la exposición El pan de los ángeles, exposición que nos muestra un recorrido por la espiritualidad de Occidente en torno a un tema central: el sacrificio del hijo de Dios que redime al ser humano del pecado original. Es la primera vez que se exhiben en España obras de excepcional calidad de Botticelli, Il Parmigianino, Luca Signorelli y Cristofano Allori que habitualmente se exponen en Florencia, Italia. La muestra reúne cuarenta y cinco obras maestras realizadas entre los siglos XV y XVII, sobresaliendo cuadros y pinturas de, entre otros, los artistas antes mencionados.

La exposición se abre con tres tapices que representan la Última cena, el Descendimiento de la cruz y la Resurrección, realizados a partir de bocetos de Alessandro Allori y Francesco Salviati. La muestra continúa con un recorrido por el Antiguo Testamento con La creación de Adán, pintada por el artista florentino Jacopo da Empoli, El sacrificio de Isaac, creada por el pintor barroco Livio Mehus, y La caída del maná, obra de Fabrizio Boschi.

Otra de las secciones de esta fantástica exposición de arte se centra en la Natividad, la Virgen y el Niño, y la Sagrada Familia, incluyendo obras tan significativas como la Virgen de la galería de Sandro Botticelli pintada en 1467 (ver foto), una Virgen con el Niño, pintada por Il Parmigianino en 1525, y una Sagrada Familia atribuida a Michele di Rodolfo.

La exposición cierra con las temáticas de la última cena, la crucifixión y la resurrección de Cristo, siendo la obras más importantes de este apartado, una Escena de calvario de Luca Giordano, realizada entre 1685 y 1686 para la capilla de la familia Del Rosso, en Florencia, y un cuadro de la Virgen en el que aparece junto a los símbolos de la pasión de Cristo sobre un verso de Dante que reza: "No se piensa en cuánta sangre cuesta", cuadro pintado por Alessandro Allori en 1581.

La exposición podrá ser visitada del 19 de marzo al 25 de mayo, permaneciendo abierta de lunes a domingo de 10 de la mañana a 8 de la tarde. La entrada es gratuita y el recinto CaixaForum de Madrid se encuentra en el Paseo del Prado número 36.

Amazonas del arte nuevo en la Fundación Mapfre

2008-03-20T17:02:00.005+01:00

Mujer y modernidad forman un binomio que avanza perfectamente unido desde la primera mitad del siglo XX. Con la muestra Amazonas del arte nuevo, la Fundación Mapfre continúa una línea de actuación que reivindica el papel desempeñado por las mujeres en el desarrollo del arte moderno. La exposición, más allá del arte español, muestra las obras, cuadros y pinturas elaboradas por 41 artistas femeninas representativas de distintos estilos y movimientos pictóricos entre 1880 y 1950.

Las protagonistas del evento pertenecen a las primeras generaciones de mujeres artistas que, salvo contadas excepciones, se mantuvieron en primer plano dentro del mundo del arte. Se mezclaron, convivieron y expusieron junto a los artitas masculinos que hoy son considerados como los grandes creadores de su época; se trata de mujeres que formaron parte activa de las corrientes artísticas del siglo pasado y que aportaron algo al arte de la época convirtiéndolas en referentes obligados.

Así pues, esta exposición de arte recupera a 41 artistas de diferentes nacionalidades, algunas muy conocidas y otras prácticamente desconocidas, apenas estudiadas y que, en algunos casos, su obra, a pesar de su indudable valor, jamás había sido expuesta en España. Entre ellas encontraremos a Maruja Mallo, Maria Nicz-Borowiak (ver pintura de la foto), Ángeles Santos, Charley Toorop, Lee Miler, Mary Cassatt y Natalia Goncharova.

La exposición podrá verse gratuitamente hasta el 27 de abril en la Fundación Mapfre (Avda. General Perón, 40 - Madrid).

Novena edición del Premio de Grabado de San Lorenzo de El Escorial

2008-03-11T19:40:00.004+01:00

Goya, Toulouse-Lautree, Picasso, son algunos de los famosos pintores que han utilizado la técnica del grabado en algunas de sus creaciones, técnica que a pesar de su belleza, sigue siendo una gran desconocida para el público en general. El caso es que como cada año, el ejecutivo del Ayuntamiento de San Lorenzo de El Escorial convoca el Premio de Grabado, que este verano celebrará su novena edición. Además también se organizará una exposición en la sala exterior de exposiciones de la Primera Casa de Oficios.

Desde hace ya veinticinco años, el Ayuntamiento de este municipio madrileño apoya el la enseñanza de la técnica de grabado con un taller dirigido actualmente por el maestro Enrique González. Su objetivo es potenciar el trabajo de los artistas que se dedican al arte gráfico y hacerlo desde un municipio ligado a la estampación por su trayectoria cultural e historia. Yo personalmente puedo constatar que el nivel de las obras presentadas cada año es más alto, así como de la fuerza artística de algunas de las imágenes representadas y de la complejidad de las técnicas que utilizan los artistas. Además, el certamen ya ha superado con creces su importancia a nivel local, teniendo ya un importante renombre no sólo a nivel de la Comunidad de Madrid, sino a nivel nacional.

Cada participante sólo puede presentar una obra, debiendo cumplir un par de requisitos: que el grabado no haya sido presentado en ningún otro certamen y que el tamaño de la estampación no sea superior a 112x76 centímetros. Asimismo los gastos de seguros, transporte y embalaje corren de cuenta del concursante. El periodo de admisión de trabajos empezará el 23 de mayo y terminará el 14 de Julio de 2008. El jurado dispondrá de algo más de un mes, hasta el 19 de agosto, para hacer público el ganador, siendo el primer premio de 1.600 euros y el segundo de 800.

Exposición de grabados, estampas y dibujos sobre la Guerra de la Independencia

2008-03-04T18:07:00.003+01:00

Del 28 de febrero al 25 de mayo, bajo el título de Miradas sobre la Guerra de la Independencia, la Biblioteca Nacional de España expondrá un abundante número de dibujos, impresos, folletos, libelos, grabados y estampas sobre el conflicto que tuvo lugar entre 1808 y 1814 en nuestro país, formando un testimonio único de la tragedia. Las pinturas reflejan desde la información hasta la sátira pasando por el debate y la crítica. La exposición surge con motivo del bicentenario del levantamiento del 2 de mayo de 1808.

De toda la exposición de arte destacan, sin duda, los grabados Desastres de la guerra de Francisco de Goya, que son el testimonio de la tragedia que afectó a la población española, protagonista fundamental de sus estampas, sobre cuya responsabilidad y fatales consecuencias se extiende en los últimos grabados de la serie. A medida de que recorremos la exposición nos vamos dando cuenta de que, sea cual sea nuestra ideología, la Guerra de la Independencia fue especialmente cruenta por ambas parte de la contienda.

La exposición está dividida en ocho secciones. Se inicia el reccorrido con los Protagonistas (I) y los Antecedentes (II) del conflicto (el pueblo como principal protagonista, la familia real, el favorito Godoy, el Emperador, su hermano el rey José). La serie narrativa continúa con las diversas representaciones e interpretaciones de Los hechos (III), incluyendo pinturas del levantamiento madrileño y la batalla de Bailén. La exposición continúa con estampas y dibujos preparatorios de los Desastres de la guerra (IV), siguiendo con la Situación política (V) y el debate ideológico (la Constitución de Bayona y la Constitución de Cádiz son los dos textos políticos de referencia), situación política que tiene en La sátira (VI) su manifestación más conocida y popular (sátira visual y escrita que deshumanizó a unos y a otros, convirtiendo a Napoleón en un ladrón, a José en un borracho odiado e incapaz, y a sus seguidores en títeres y muñecos). Las dos últimas secciones de la exposición son El final de la guerra (VII) y La vuelta del absolutismo y sus Funestas consecuencias (VIII), donde el decreto por el que Fernando VII anula Constitución de Cádiz, la persecución de los afrancesados y la vuelta de la Inquisición son algunos de los documentos que aparecen en estas secciones de la muestra.

La mayor parte de las obras de arte expuestas proceden de las colecciones conservadas en la Biblioteca Nacional de España relativas a la Guerra de la Independencia, que han sido complementadas con el préstamo de estampas, grabados y pinturas procedentes del la Bibliothèque Nationale de France, el British Museum, la National Gallery of Scotland, el Hamburger Kunsthalle, la Calcografía Nacional y el Museo Nacional del Prado que aporta grabados y dibujos de Goya fundamentales para la comprensión de los Desastres de la guerra.

La entrada a la exposición es gratuita.

Esculturas de Igor Mitoraj en el paseo del Prado

2008-02-28T18:03:00.003+01:00

La plaza de CaixaForum y el paseo del Prado se han llenado de esculturas de gran tamaño realizadas por el artista polaco Igor Mitoraj. Se trata de una exposición al aire libre de veintiséis esculturas monumentales, patrocinada por el Ayuntamiento de Madrid y la Obra Social de La Caixa, de la que podremos disfrutar hasta el 13 de abril de 2008. De las veintiséis esculturas, tres pueden ser vistas en la plaza de CaixaForum y el resto en el paseo del Prado, entre la plaza de Murillo y la cuesta de Moyano.

El objetivo del reconocido escultor polaco es acercar el arte a todos los ciudadanos. Así, la exposición forma parte del programa Arte en la calle de la Obra Social de La Caixa. Una de las esculturas, una gigantesca escultura en bronce de casi cuatro metros de altura llamada Bocca di Eros, ha sido creada expresamente por Mitoraj para esta exposición de Madrid.

Como breve introducción biográfica señalaré que Igor Mitoraj se trata de un artista que, desde los años setenta, ha sido protagonista de numerosas exposiciones en las calles de ciudades de todo el mundo, y que su obra esta basada en el espíritu del arte griego y romano, así como en el saber de los grandes artistas del Renacimiento.

Exposición de arte: Roma SPQR (Senatus Populus Que Romanus)

2008-02-26T18:34:00.001+01:00

El Centro de Exposiciones Arte Canal de Madrid ha habilitado once espacios temáticos donde, hasta el 2 de marzo de 2008, se podrá disfrutar y conocer los entresijos de la vida pública y familiar de Roma, la civilización que en gran manera sentó las bases de nuestra cultura, arte, derecho, política y hasta ingeniería. La exposición, inscrita bajo el lema de S.P.Q.R. (Senatus Populus Que Romanus: el Senado y el Pueblo de Roma), las iniciales que perpetuaron la gloria de Roma en sus monedas, estandartes y documentos públicos, se ha concebido como una visita a un yacimiento arqueológico.

Para empezar nos encontramos con tres imponentes esculturas de Venus, Minerva y Cronos. El recorrido incluye una visión sobre cómo influyó la cultura griega en la romana, muestra los símbolos del Imperio y describe su religión, sociedad, ejército, economía, arquitectura, espectáculos, ritos funerarios y hasta la vida familiar. La muestra termina en el punto en el que empezó la influencia romana sobre nuestra península, con un recuerdo a la conquista de Hispania.

Para mostrar toda esta información cultural, la exposición reúne esculturas, urnas, pedestales, mosaicos, relieves, lápidas, sellos, monedas, joyas, y así hasta medio millar de piezas repartidas en dos mil metros cuadrados de superficie. Todo ello apoyado por las últimas tecnologías audiovisuales:

- Hologramas: Podrás sentir el peligro y la emoción de los combates entre gladiadores como si estuviesen en tu presencia.
- Sombras chinas: Muestran escenas costumbristas del mercado o la intimidad de un comedor patricio.
- Cronogramas: Una historia visual de la civilización romana, con vídeos y escenas de todas las épocas.
- Gigantografías: Encerradas en cajas de luz, imágenes a gran escala resucitan el esplendor de las casas colgantes de Éfeso, del Templo de Adriano, el Coliseo o el Arco de Constantino.

El Centro de Exposiciones Arte Canal esta ubicado en el Paseo de la Castellana, 214, junto a la Plaza de Castilla.

Exposición de Antoni Pitxot en el Centro de Arte Tomás y Valiente

2008-02-25T19:30:00.004+01:00

El Centro de Arte Tomás y Valiente de Fuenlabrada acoge, hasta el 13 de abril de 2008, una sensacional exposición retrospectiva del pintor Antoni Pitxot, amigo del genial Salvador Dalí. La muestra está compuesta por más de cien obras, entre dibujos, óleos y fotografías, que abarcan un recorrido muy amplio de la trayectoria del artista, desde sus inicios como pintor, donde su pintura se preocupa por el estudio de las relaciones entre la luz, el color y el trazo; hasta después de que se afincara definitivamente en Cadaqués y su relación con Dalí marcara un giro decisivo en su pintura.

Al disfrutar de la exposición veremos como el artista recrea los colores de Cadaqués, marco de unión entre él y su obra, el azul turquesa, los colores tierra y el verde forman parte de su obra. Durante sus paseos por Cadaqués los materiales no son escogidos por el pintor, sino que como él mismo señala, se le presentan y le hablan, formando estupendas composiciones que, influidas por un realismo mágico, plasma en sus cuadros.

Antoni Pitxot nació en Figueras en 1934, en el seno de una familia de artistas. Desde sus inicios destacó por una gran visión y percepción de su entorno, en particular por el tratamiento de las naturalezas muertas, piedras, musgos y ramas secas, entro otros objetos. En 2004 fue premiado con la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes y es director vitalicio de la Fundación Gala Salvador Dalí.

Antoni Pitxot lleva casi tres décadas, en concreto veinticuatro años, sin exponer en Madrid. Sin duda nos encontramos ante una oportunidad inmejorable para disfrutar de su obra.

Nuevo museo de arte CaixaForum en Madrid

2008-02-19T19:42:00.003+01:00

El nuevo museo de arte CaixaForum fue inaugurado por los Reyes de España la pasada semana. El museo está situado en el Paseo del Prado, muy cerca de los museos Reina Sofía, Prado, recientemente ampliado, y Thyssen, en pleno centro histórico de la capital española. La apertura al público del museo empieza con una exposición de obras pertenecientes a la colección de arte contemporáneo de la Fundación La Caixa, una de las más importantes de Europa en este género.

Los ciudadanos de Madrid podremos disfrutar de las 34 pinturas y obras que conforman la exposición hasta el 6 de abril. Encontraremos obras de arte de Anselm Kiefer, Cornelia Parker, Johannes Kahrs, Liu Jianhua, Miquel Barceló y Sigmar Polke.

Asimismo mencionaré que el propio edificio museo (ver foto), proyectado por los arquitectos Herzog y Meuron, se trata por si solo de una obra de arte. La construcción se ha realizado sobre la antigua Central Eléctrica del Mediodía, cuya fachada principal se ha conservado y, frente a la cual, se encuentra el primer jardín vertical de España obra de Patrick Blanc, un jardín que cuenta con 460 metros cuadrados tapizados por 18.000 plantas de 250 especies distintas.

Tercera edición de Art Madrid, arte moderno y contemporáneo

2008-02-18T18:10:00.005+01:00

Art Madrid se trata de otra feria de arte, que coincide en fechas con Arco 2008, y que está enfocada a obras de arte contemporáneas y a producciones artísticas de la época moderna. Un total de ochenta galerías de arte, de las cuales veintiuna son extranjeras (seis sudamericanas, cuatro norteamericanas, diez europeas y una coreana), han expuesto y vendido sus obras de arte moderno y contemporáneo durante la tercera edición de este certamen. Dichas galerías expusieron obras de arte de más de 650 artistas de todo el mundo, entre los que cabe destacar a Andy Warhol, Joan Miró, Antoni Tapies, Miquel Barceló, Robert Mappelthorpe, Armando Mariño, Pep Bofill, Palazuelo, Carmen Calvo, Luis Gordillo, Juan Barjola y J. Oteiza.

La exposición recibió 23.000 visitas y alcanzó los 20 millones de euros en ventas en 2007, este año se prevé haber superado estas cifras ya que el espacio dedicado a la exposición en el Pabellón de Cristal de la Casa de Campo, se había ampliado un 20 por ciento, llegando hasta los 4.500 metros cuadrados.

Art Madrid se ha consolidado como la segunda feria de arte contemporáneo de España, tanto por espacio dedicado a exposición, como por el número de galerías. La edición de 2008 terminó ayer.

Exposición de Modigliani en el Museo Thyssen-Bornemisza

2008-02-08T15:49:00.000+01:00

El Museo Thyssen-Bornemisza ha organizado una exposición retrospectivas que aborda la figura del maestro italiano Amedeo Modigliani (1884-1920) a través de los amigos y grandes maestros que influyeron sobre él. El público podrá disfrutar de la exposición Modigliani y su tiempo desde el 5 de febrero al 18 de mayo, exposición que muestra una visión diferente de la ofrecida hasta la fecha de uno de los artistas más abiertos a los principales movimientos de la vanguardia parisiense.

La exposición recopila 126 óleos, lienzos y obras de Modigliani, ordenadas cronológicamente y por temática, desde su llegada a París en 1906 hasta su muerte. Modigliani fue un auténtico artista sufridor, alcohólico toda su vida, vivió en la pobreza hasta que murió.

Este proyecto se distingue por el deseo de dar a conocer en España las pinturas del artista italiano, conocido como el pintor de las figuras esbeltas y alargadas con miradas vacías, en una doble vertiente, la influencia ejercida sobre él por parte de grandes maestros como Paul Cézanne, Pablo Picasso y Constantin Brancusi, de los que se exhiben también algunas pinturas y cuyo contenido puede verse en el propio Museo Thyssen-Bornemisza, y la de sus amigos artistas de la colonia de Montparnasse: Marc Chagall, Chaïm Soutine, Moïse Kisling, Ossip Zadkine, Tsuguharu Foujita o Jules Pascin, entre otros, que puede disfrutarse en la Fundación Caja Madrid.

Cuatrocientas obras de Picasso en el Museo Reina Sofía

2008-02-06T18:35:00.000+01:00

El Museo Reina Sofía acoge una exposición con más de 400 pinturas de Pablo Picasso. Las obras han sido prestadas por el Museo Picasso de París y estarán expuestas al público del 6 de febrero al 5 de mayo, siendo dichas obras el manifiesto pictórico del pintor malagueño al ser los Picassos de Picasso, es decir, la obras de arte realizadas por él mismo y que nunca quiso vender.

Así pues, la exposición muestra pinturas, esculturas, cerámicas, dibujos, grabados, apuntes, así como veinte fotografías, que el artista mantuvo consigo hasta su muerte. Dichas obras se exponen en tres salas del Museo Reina Sofía dedicadas a exposiciones temporales.

El recorrido se inicia en la sala Sabatini con las primeras pinturas de Picasso, las que fueron pintadas antes de 1923, incluyendo obras del periodo azul como el óleo sobre lienzo Autorretrato. Asimismo se pueden ver obras correspondientes a su época de evolución al cubismo (protocubismo y cubismo) como los cuadros Las señoritas de Aviñón (ver foto) o Hombre con mandolina, terminando la serie de pinturas y cuadros con La flauta de Pan, una obra clave del neoclasicismo de Pablo Picasso.

En la sala intermedia de Nouvel se exhiben y muestran las obras correspondientes a la siguiente década, hasta 1934, un par de años antes de que comenzara la Guerra Civil, periodo correspondiente a la época surrealista del artista malagueño. Así, en dicha sala, se puede disfrutar de cuadros como El beso (ver foto) o Figuras a la orilla del mar.

La última sala, también denominada sala de Nouvel, acoge pinturas de la colección permanente correspondientes al periodo de 1936 a 1952, incluyendo el famosísimo Guernica o La mujer que llora. El recorrido finaliza con obras de los años 50, periodo final, incluyendo esculturas como La cabra (ver foto), el óleo sobre lienzo Le déjeuner su l'herbe según Manet y la relectura de la historia de la pintura realizada por Picasso.

Esta muestra constituye la mayor recopilación de obras de Pablo Picasso que jamás se haya visto en España. Posteriormente, la misma exposición podrá ser vista en los Emiratos Árabes, Tokio, Canadá, Estados Unidos, Finlandia, Rusia y Australia.